Amaia Montero fue feliz durante su etapa con la oreja de van gogh
18.03.2012 21:21
A pesar de haber sido una decisión difícil, Amaia Montero confiesa que no se arrepiente de haber abandonado La Oreja de Van Gogh para hacer una carrera como solista y asegura estar “muy satisfecha” con lo que a logrado.
"No me arrepiento; fue una decisión muy pensada, muy meditada y muy importante, como tirarme al vacío", añadió la española quien confiesa que se fue “en un momento alto, no cuando aquello decaía, y tomar una decisión así era muy arriesgado”.
"Yo tomé mi camino y estoy contenta, orgullosa de mi carrera porque me da muchas satisfacciones, pero también fui feliz en mi etapa en La Oreja. Son momentos distintos y tengo grandes recuerdos, los mejores", afirmó la intérprete de Tu Mirada
Dile al sol es el primer álbum de La Oreja de Van Gogh. Salió a la venta el 18 de mayo de 1998. Fue grabado en el estudio de Alejo Stivel entre los meses de enero y abril de 1997 en los estudios Ash-Ram; el título lo toma del nombre de la novena pista. Parecía que el sueño se estaba cumpliendo para los jóvenes donostiarras, y en una entrevista, durante la grabación del disco, Amaia Montero esperaba que se vendiera un millón de copias del primer disco del grupo (finalmente se vendieron unos 910.000 ejemplares).
Fue mezclado y remasterizado por Barry Sage en ASK Producciones en Madrid. El diseño del disco estuvo a cargo de Carlos Martín, las fotos de Jesús Ugalde, maquillaje Luis Oliviera, y el vestuario estuvo a cargo de Oddity en San Sebastián. En los agradecimientos del CD estuvieron mencionados casi todos los que participaron en la grabación del CD, además de sus familias (padres, hermanos, tíos y abuelos) y sus compañeros de facultad de la UPV, así como Luis Meyer, sexto integrante del grupo durante sus inicios.
Como padrinos del álbum contaron con la colaboración de Mikel Erentxun en la canciones "Pesadilla" y "Qué puedo pedir" a quien conocieron y contactaron gracias a su compañía de mánager; además contaron también con Txetxo Bengoetxea (21 Japonesas) para las canciones "El 28", "Dos cristales", "Lloran piedras", "La estrella y la luna" y "El libro" a quien ellos mismos contactaron tras dejarle una maqueta en un bar donde estaba tocando el miembro de 21 Japonesas.
El álbum se empezó a grabar en abril de 1998, a menos de un mes del lanzamiento, es por esto que tuvieron asistencia de músicos con experiencia como Josu García en la guitarra, Marcelo Fuentes en el bajo y Fernando Samalea en la batería. En 1998 el pop en español tenía un vacío dejado por la reciente disolución de Mecano, y con la llegada de este nuevo grupo de sonido pop, no tan tecno como Mecano, el público pudo constatar la evolución del pop en español para las nuevas generaciones.
El primer single que se extrajo fue El 28, canción que abre el disco donde se nota claramente la influencias del Donosti Sound; a pesar de no llegar al número 1 de Los 40 Principales abrió el camino para singles posteriores. Durante la grabación del álbum, el grupo fue seguido por camarógrafos para grabar escenas de lo que sería el vídeo del El 28. Después llegó Soñaré con el que llegaron a lo más alto y les consolidó en la cima del pop español; le siguieron Cuéntame al oído, Qué puedo pedir, El libro, Dile al sol, La estrella y la luna y Pesadilla. De los singles, se grabaron hasta 6 videoclips promocionales.
El disco abre, como se ha comentado anteriormente, con El 28, primer sencillo y canción que serviría de bandera e insignia al grupo donostiarra durante los siguientes diez años. Continúa con Cuéntame al Oído, que a modo de balada cuenta la relación de confianza y amistad entre dos personas. El funk no se hace esperar con Pesadilla, quizás la canción con más fuerza del álbum. Con reggae entra el cuarto track La Estrella y la luna una sencilla fábula con un pegadizo estribillo.
Las tres siguientes canciones; Viejo Cuento, Dos Cristales y Lloran Piedras fueron también incluidas en la maqueta con la que habían ganado el concurso de Pop-Rock de San Sebastián; quizás fue la nostalgia la que las llevó al disco. Son tonos solemnes, profundos y a la vez originales y dinámicos. Quedando frases como existen siempre mil males, que son buenos para el zurdo; ilusos que hoy arrojan a la fuente sus monedas, realistas que no dudan en mojarse y cogerlas ó el atardecer, sentado en mis rodillas se come una naranja.
El disco inicia de nuevo con Que Puedo Pedir un coro pegadizo y repetitivo escrito por Rafael Berrio de lo más acertado en el disco; ésta es la única canción del disco que no estuvo escrita por los componentes de la banda. Llega el tema que da título al álbum, Dile al Sol una canción de amor donde el talento en las letras se hace presente. El Libro, es una balada pop que sería el último videoclip del disco. La penúltima pista del disco es La Carta las guitarras y la batería hacen que su ambientación sea la más rock del álbum. Cierra el disco Soñaré que fue el segundo sencillo del álbum y la primera en llegar al número 1 en listas, canción pop que recuerda a Calderón de la Barca en sus coros escritos por Amaia Montero como dijo aquel genio, esta vida es un sueño.
Se conocen dos descartes de este disco; Déjate llevar y El tiempo , que fueron incluidos en algunos sencillos del disco. La primera en 2006 salió en el disco Más guapa. También algunas maquetas que tuvieron la posibilidad de entrar en este álbum fueron El árbol, Escalera a la luna y Aquella ingrata, todas ellas publicadas finalmente en Más guapa. Algunas como, por ejemplo Siente en rosa, tan sólo están en audios en directo con pésimo sonido.
Una década después de su lanzamiento el disco lleva vendidas casi un millón de copias en todo el mundo; 700 mil copias de ellas (aproximadamente) correspondientes a España. El disco permaneció durante 10 semanas en el número uno de ventas en España y permaneció 30 semanas entre los 10 más vendidos. Un gran apoyo para llegar a tal éxito en ventas fue que el Tour Dile al Sol recorrió toda la geografía española durante año y medio dando más de 100 conciertos, donde más de un millón de personas pudieron comprobar la fuerza de sus directos.
El viaje de Copperpot
El Viaje de Copperpot es el segundo álbum de La Oreja de Van Gogh, que salió a la venta el 11 de septiembre de 2000. El origen del título está inspirado en la película Los Goonies (1985) en donde se nombra a un cazador de tesoros llamado Chester Copperpot.
El disco
El Viaje de Copperpot es el disco más vendido del grupo y el más popular, además de ser aclamado por muchos como el mejor del grupo. En este disco, el grupo abandona un poco lo que es el Donosti Sound para centrarse en el Power pop. Las melodías pegadizas y las letras despreocupadas son pieza fundamental del álbum.
El reto al que se enfrentaba La Oreja de Van Gogh con su segundo álbum era tan arduo como ambicioso. Su primer disco, Dile al sol, puso el listón muy alto, con lo que las expectativas estaban creadas y aunque todos los discos son difíciles, el segundo de una banda que arrasó siendo una gran desconocida era aún más complicado. El Viaje de Copperpot no defraudó en calidad y la repercusión fue incluso mayor que la del primero. Las historias directas contadas de forma vertiginosa, aunque contundentes en fondo, volvieron a ser la clave del éxito de esta banda, auténtica fábrica de canciones pegadizas.
Las altas ventas de Dile al sol dieron un voto de confianza al grupo. En esta ocasión, tuvieron la oportunidad de elegir a su productor, cargo que recayó en la figura del ingeniero musical británico Nigel Walker, recomendado por Hombres G, con quienes habían realizado una gira en 1999. Así pues, el disco se grabó en el Estudios Du Manoir, situado en Léon, una pequeña comuna de Las Landas, en Francia.
Cuídate fue el primer single de un disco que refleja la evolución del grupo y viaja a épocas pasadas, ya que no faltan los retazos yeyés. El mismo día que se puso a la venta, llegó a superar las cien mil copias vendidas, por lo que recibieron el disco de platino. El disco contiene doce canciones. Si se incluye la pista oculta tras el final de Desde el puerto, titulada Tic tac hacen un total de trece. Este bonus track fue incorporado por la banda como regalo a sus fans. Era una canción que se tocaba en los conciertos de su primera gira, y debido al buen recibimiento que tuvo entre los seguidores, decidieron incluirla.
La playa, en medio de canciones rápidas, aporta cierta calma a un disco producido por Nigel Walker, que otorga al álbum un aire de la new wave británica. Los amantes del Círculo Polar ahonda en el cómo y el por qué de una relación que no pudo ser, haciendo referencia a la película del mismo nombre. Quizá sea la canción menos optimista de un disco divertido que rinde homenaje a la bruja Avería en Dicen que Dicen, en la que se relatan los efectos humorísticos de ciertos estupefacientes de origen vegetal, así como a los Monty Python (al final de la misma canción, en la frase "And Now for Something Completely Different" en referencia a dicha película) o a la película de Los Goonies (en el nombre del disco).
Todos los temas, aunque diferentes, pudieron ser primeros singles en El Viaje de Copperpot. El quinteto donostiarra consiguió que todas las canciones fuesen pegadizas, algo que tampoco es tan fácil. En composición, al igual que en tecnología, el segundo disco del grupo gana a su álbum de debut.[cita requerida] Con esto pudo vencer y superar el reto que representaba cumplir las expectativas creadas por Dile al sol, algo que por ejemplo Mecano no fue capaz de superar. Gran parte de los seguidores de La Oreja de Van Gogh considera este segundo disco el mejor de todos los que hasta hoy se han grabado, y de hecho en países como Chile, Argentina, Perú y México, El Viaje de Copperpot llegó a opacar al primer disco, ya que canciones como El 28 o Dile al sol jámas se promocionaron en esos países.
Más tarde se editó una caja de Edición Especial de la joya del pop que representa este disco. Ésta, aunque no incluyó nada nuevo, está descatalogada, contenía el LP en dos versiones disco y mini-disc, además de un libro con algunas anotaciones de los componentes del grupo. También se editó una versión que incluía un CD de material multimedia para el ordenador, además de vídeos y algunas cosas más. En 2007, Sony BMG reeditó el disco en una versión de caja de cartón cuyo precio era más accesible que los anteriores.
Según algunas entrevistas, eran más de 20 las canciones que tenían la posibilidad de ser incluidas en este disco. Entre algunos descartes están Nube y Despacio, que verían la luz en 2006 en Más guapa.
Lleva más de 2 millones de copias vendidas desde su lanzamiento en 2000 y es el séptimo disco mas vendido en la historia.
Lo que te conté mientras te hacías la dormida es el tercer álbum de La Oreja de Van Gogh coproducido por LODVG y Nigel Walker, el mismo productor de El viaje de Copperpot. Salió a la venta el 28 de abril de 2003.[1] Está compuesto por 14 temas y un bonus track.
El álbum arranca con Puedes contar conmigo, un primer single que engancha y recuerda a La Oreja del trabajo anterior, este es el disco más vendido de LOVG en Latinoamérica.
El extenso título de este álbum, Lo que te conté mientras te hacías la dormida, dice mucho; en la tercera entrega de la banda cabe todo. Con el amor en todas sus vertientes como fondo y el pop como forma en cada uno de sus temas, por las canciones de este disco se tropiezan el amor con el desamor, el pasado con el presente y el futuro, los encuentros con las despedidas, los sueños soñados con los cumplidos.
De los quince cortes, Deseos de cosas imposibles, Un mundo mejor, Adiós (primera perspectiva de la historia que continuará en Guapa) y el primer sencillo son los que más se asemejan a La Oreja de los discos anteriores. 20 de enero, Tú y yo, La esperanza debida, Geografía, Vestido azul, La paz de tus ojos, Historia de un sueño y, sobre todo, Bonustrack, absolutamente electrónico, hacen de este disco, un álbum ecléctico de melodías y ritmos completamente diferentes.
Como en sus anteriores discos, LODVG sigue contando historias cotidianas a ritmo vertiginoso y destacando la voz de Amaia, que, en este álbum, crece en temas como Rosas, Nadie como tú o Perdóname. Lo que te conté mientras te hacías la dormida, todo un cruce de emociones donde las metáforas brillan, es, sobre todo, una nueva entrega de pop con mensaje.
Algunas de las inéditas de este disco son Flash y Coronel, que en último momento fueron descartadas del disco, la primera porque no se llegó a terminar a tiempo, y la segunda tal vez por tocar un tema tan difícil como lo es la guerra.
El disco lleva vendidas más de 2 millones de copias desde su lanzamiento en 2003.
• "Lo Que Te Conté..." estuvo 108 semanas en las listas de ventas española. De ellas, 76 en el Top 10 (los diez discos más vendidos del país).
• "Lo Que Te Conté…" recibió el Premio Ondas al Mejor Álbum del año (los Ondas son los más prestigiosos galardones de la radiodifusión española).
• "Lo Que Te Conté…" ganó una nominación al Grammy en la categoría de "Mejor Álbum de Pop Latino".
• El álbum y la banda ganaron dos Premios Amigo ("Mejor Álbum" y "Mejor Grupo"), galardones que anualmente entrega la industria discográfica española.
• "Lo que te conté…" se ha mantenido firme entre los más vendidos en mercados como México, EE. UU. (Álbumes de Pop Latino), Uruguay, Argentina, Colombia, Chile y Costa Rica. En México ha sido Top 1, en Uruguay y Argentina Top 3 y en EE. UU., Top 1.
• "Lo Que Te Conté…" es actualmente el tercer disco más vendido de Sony Music en toda Latinoamérica en su historia.
Fue el segundo disco más vendido en España durante 2003 con 500 mil copias vendidas, solo superado por No es lo mismo de Alejandro Sanz.
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Guapa es el nombre del cuarto álbum de estudio de La Oreja de Van Gogh, publicado el 25 de abril de 2006. Éste es el último disco de la banda con Amaia, ya que al año siguiente de ser lanzado, la vocalista anunció su partida del grupo. Los singles extraídos de este disco fueron Muñeca de trapo, Dulce locura y Perdida. El disco comenzó a componerse en febrero de 2005, en noviembre del mismo año ya estaban maquetados los 18 temas que probablemente ingresarían en el álbum. Fue grabado en los Estudios Du Manoir, en Las Landas (Francia) en diciembre de 2005, del 2 al 23 de ese mes. En enero de 2006 reiniciaron las grabaciones en el estudio PKO de Madrid, y durante toda la grabación estuvieron presentes reporteros de la cadena Cuatro, que más tarde lanzaría una reportaje sobre lo que fue la grabación de Guapa. A pesar de la negativa del grupo de que el CD incluyese un DVD, esto se dio e incluyó imágenes del documental de Cuatro así como comentarios del grupo sobre las canciones. Nuevamente, está producido por Nigel Walker y su publicación coincide con el décimo aniversario de la creación del grupo. Contiene trece canciones que mezclan el pop característico de la banda con reggae, ranchera, apuntes de bossa nova, gotas de los 60 y los 70, algún arreglo techno y recuerdos a la música americana. En este disco se puede notar la madurez artística del grupo tanto en sus letras y melodías en canciones como Noche, Muñeca de Trapo o Perdida, así como sonidos más electrónicos en los arreglos de las canciones. Fue el disco más esperado de 2006. Originalmente el lanzamiento estaba preparado para el 28 de marzo 28 de 2006; sin embargo, una fuerte tormenta provocó daños en la mesa de sonido, por lo que la grabación se aplazó, siendo el lanzamiento del disco retrasado hasta abril. Cuando se dio un adelanto con Muñeca de trapo en Los 40, ésta rompió récords de audiencia. Dos días antes de su lanzamiento oficial, la empresa de telefonía Movistar ofrecía un teléfono Sony Ericsoon precargado con los 13 temas del álbum, así como el videoclip de Muñeca de Trapo y tres videos del Concierto de la Gira 2003. Esto produjo que para la fecha de lanzamiento oficial, el disco ya se encontrara pirateado.
A pesar de las filtraciones, para diciembre de 2006 el disco ya tenía siete discos de platino en su haber, haciendo que este fuera el disco más vendido en España en aquel año. El disco gano el Grammy Latino en 2006 por mejor álbum pop duo grupo. En 2007 se grabaron dos versiones en italiano de temas de álbum Dolce Follia y Bambola Di Pezza, el disco se editó en Italia el 18 de mayo de 2007, el disco no tuvo promoción por la inesperada salida de Amaia Montero del grupo, lo que llevo al álbum al fracaso. Las maquetas y canciones inéditas del disco fueron publicadas en la reedición de Guapa. Nada más salir el disco al mercado, el quinteto donostiarra comenzó su promoción por América tanto América del Norte como el cono sur, recalando en casi todos los países de habla hispana, así como dando un número considerable de recitales en Estados Unidos. Las citas más importantes de este comienzo de gira fueron en el Auditorio Nacional de México DF, (México), país especialmente visitado en esta gira, Luna Park (3 conciertos, Buenos Aires, Argentina) y la que hasta el año 2009 ha sido la cita más multitudinaria del grupo, en el Estadio San Carlos de Apoquindo (Santiago, Chile). Esta promoción tan potente en América hizo que Guapa alcanzara en el continente unas cifras de ventas muy elevadas, siendo de alrededor de un millón de copias, 250.000 de ellas presumiblemente en EEUU, cosechando grandes cifras también en México y Argentina y abriéndose paso en el resto de países de centro y sudamérica donde antes no habían recalado tanto. Este gran éxito en América junto con las ventas de España que superaron los 560.000 discos hacen de Guapa/Más guapa el tercer disco más vendido de la historia de La Oreja con unas cifras aproximadas de 1.500.000 copias. Al término de la etapa Guapa la oreja llevaba más de 6.000.000 de discos vendidos en todo el mundo así como 51 discos de platino, 26 en españa y 25 en América. El disco permaneció más de 30 semanas en el Top 10 de los discos más vendidos en España, de las cuales 10 semanas -no consecutivas- fueron en el #1, en total resistió más de 75 semanas en la lista y la gran mayoría dentro de los 50 primeros |
Más guapa
Más guapa
Más Guapa es una nueva edición del CD Guapa. Fue lanzada en España el 5 de diciembre de 2006, en conmemoración a los diez años de los comienzos del grupo. A diferencia de la edición original de Guapa, con un CD y un DVD, esta incluía un doble CD, el original de Guapa, y un CD con canciones inéditas y maquetas de los diez años anteriores de historia del grupo. La carátula, con el mismo dibujo, variaba en el color. Mientras que la carátula de Guapa era de color carne, la de Más Guapa era de color blanco.
Amaia Montero
Amaia Montero es el nombre del primer álbum de estudio en solitario de la cantautora homónima Amaia Montero, tras abandonar el grupo La Oreja de Van Gogh.
El 18 de noviembre de 2008 se publica el álbum debut en solitario de Amaia Montero. Justo un año después de anunciar su marcha de La Oreja de Van Gogh, dejando a la banda en pleno éxito, la cantante y compositora se lanza a una aventura en la que ha estado inmersa 12 intensos y difíciles meses en un trabajo de composición, producción y grabación hasta llegar a Amaia Montero, el disco que marca su debut como solista y que se edita al tiempo que estrena página web (www.amaiaweb.es). “Ha sido empezar de cero, madurar del golpe. He intentado hacer un disco honesto, por un impulso artístico de expresar lo que soy. Necesitaba seguir mi propio camino y me he arriesgado. Esto es lo que hay”, dice Amaia Montero de su álbum, que aparece tras diez años de éxitos ininterrumpidos con La Oreja de Van Gogh, y en el que se ha involucrado enteramente, desde la composición de todas las canciones hasta la elaboración de las primeras maquetas y la supervisión de todo el proceso de grabación y mezclas.
Un desarrollo creativo (“Hacer un disco y no estar pendiente del proceso es absurdo”, dice) que Amaia explica desde su embrión: “Toco la guitarra, tengo algunas nociones de piano y empecé a componer con estos dos instrumentos. Después incorporé la tecnología con un programa de ordenador. Me monté mi pequeño estudio casero y grababa al vuelo las ideas en un viejo aparato de cinta de casette. Todo comenzó a salir de manera natural. Después trabajé con el ingeniero Bori Alarcón, que me conoce muy bien y siempre me ha comprendido y respetado. He grabado con él todas las maquetas. Hay momentos mágicos desde finales de 2007 hasta junio de 2008. En casa de mis padres, en Irún, no ha podido ser más casero. Rodeada de tranquilidad, de soledad, atravesando momentos difíciles...”.
Tras la grabación de estas primeras maquetas, Amaia Montero comenzó a desarrollar las canciones con el productor italiano Claudio Guidetti, reconocido por sus trabajos con Eros Ramazzotti, Angelo Branduardi, Laura Pausini, Francesco De Gregori, Gianni Morandi o Umberto Tozzi, entre otros artistas. “Claudio ha captado muy bien lo que quería, uniendo lo actual y lo tradicional, dando la importancia a las canciones, sin exceso de producción”, asegura Amaia, que ha estado a su lado durante todo el proceso: “Desde la primera decisión a la última estoy ahí. Lo que más me cuesta es expresar lo que he sentido, pero en la parte musical estoy como pez en el agua. Toda la responsabilidad es mía”.
Fueron semanas de trabajo de preproducción en Génova en las que Amaia Montero y Claudio Guidetti esbozaron el álbum. Después, en los estudios de Eros Ramazzotti en Milán se realizó la grabación del álbum con una banda base formada por el propio Claudio Guidetti (guitarras y teclados), Paolo Costa (bajo), Alfredo Golino (batería) y Fabio Moretti (guitarra solista). “Incluso Eros Ramazzotti toca la guitarra en una canción y también vino Bori para grabar la voz”, continúa Amaia. “Todo lo que he vivido en Italia es tan diferente de lo anterior... La libertad de sentirte tú. Nunca olvidaré este primer disco”.
Las mezclas y los últimos detalles de la grabación se realizaron en Henson Recording Studio de Los Angeles (Estados Unidos) y han estado a cargo de Mike Tacci, que ha trabajado con artistas como Thomas Dolby, Cheap Trick, Tori Amos, Metallica, Eros Ramazzotti o Diego Torres. Situados en el corazón de Hollywood, Henson Recording Studios fueron fundados por Charlie Chaplin en 1917 y por sus salas han pasado, entre otros muchos artistas, Phil Spector, Herb Alpert y Sergio Mendes en los 60; The Supremes, The Doors y Carole King en los 70; U2, The Police y Bruce Springsteen en los 80; The Rolling Stones, Soundgarden y Metallica en los 90 y Paul McCartney, Alicia Keys y Shakira en la primera década del nuevo siglo. “Allí están las huellas de Charles Chaplin”, dice Amaia. “Cuando llegamos y empezamos a meter coros... fue una experiencia impresionante. Continué aprendiendo como se hacen las cosas”.
El resultado de todo este proceso es Amaia Montero, el primer álbum en solitario de la artista donostiarra que se abre con su primer single Quiero ser. “Quiero ser una palabra serena y clara; quiero ser un alma libre de madrugada; quiero ser una emigrante de tu boca delirante, de deseos que una noche convertiste en mi dolor”, canta Amaia en un tema que comienza con cierto aire vintage en el dibujo de la guitarra española, arreglos sencillos y efectivos, con utilización de instrumentos atípicos como el autoarpa, un balanceo muy años 60 y magníficamente interpretada por Amaia, que afirma que la canción “habla de mí, de lo que sentiría si encontrase el amor de mi vida. Habla de lo que me gustaría en ese momento. Es una canción para la persona, una declaración de intenciones”.
El disco continúa con Mirando al mar (“Dime corazón, dime que es peor, ver como te vas o quedarme hasta el final”), un medio tiempo muy bien ambientado, con unos coros espectaculares y un estribillo contundente. Después, la canción 4" (“Ando buscando un amor que me diga que soy verdadera, ando buscando la forma de andar siempre a mi manera”) mezcla sentimientos y reafirmaciones personales a ritmo muy vivo, con otro estribillo rotundo que marca el carácter del tema. 407 (“El puerto se durmió esperando a que tú volvieras, los barcos de papel rompieron a llorar de pena, el mar se rebeló y te confió toda su fuerza”) es una canción que Amaia dedica a su padre y refleja el fuerte sentimiento familiar que impregna todo el álbum. “La fuerza, la estabilidad me la da mi familia. Ahí recupero mi esencia, y es una canción con los sentimientos a flor de piel”, dice Amaia de un tema en tiempo lento, sólido, marcado por acordes de piano, emocionado, íntimo y frágil.
Como un brindis a sus ex compañeros de La Oreja de Van Gogh, Tulipán (“Que siempre os echaré de menos, que lo demás son sólo cuentos. Siempre seréis mis cuatro ángeles y mientras viva lo recordaré”) es una canción marcada por la amistad, por la añoranza y el recuerdo. “Necesitaba explicar lo que sentía, el cariño que les tengo. Es un homenaje a todos los años vividos. La separación fue difícil y muy pensada. Lo que más me costó fue lo personal. Lo que queda es el cariño, el respeto después de lo que hemos vivido”, dice Amaia de una canción rotunda, de las más pegadizas y vivas del álbum. Después, Ni puedo ni quiero (“Algunas veces recuerdo que vivo a plazos por sobrevivir, algunas veces me cuento que necesito un final feliz”) tiene un aire de rock fronterizo, con metales que huelen a México, una progresión dinámica y ambiente algo retro.
Te falta rock (“Si pudieras ver las alas de mi cuerpo, si pudieras dar mi vida al rock and roll, si pudieras ver el norte de mis sueños, si pudieras dar tu alma a mi razón”) es otra canción importante en el álbum, un medio tiempo original, con una melodía muy bien desarrollada y un crescendo impactante. Círculos (“Hoy me he visto caminando en círculos pequeñitos que no van a ninguna parte; hoy daría lo que fuera de mi vida por salir de esta mentira y entregarme a un mundo donde el amor se pierde solo en una esquina, y aún busco donde tú y yo perdimos la partida”) es una de las canciones trepidantes del disco, ejemplo del pop que ofrece Amaia Montero, con cambios en su desarrollo, imaginativa, inquieta, buscando fórmulas personales.
Llega la recta final del álbum y en La bahía del silencio (“Hoy te ríes de quien quiere disfrazar tu espíritu, tu estampa en una rubia tonta que no sabe qué es pensar”) Amaia se desnuda a ritmo de funk-pop enérgico en otra canción autobiográfica, rítmicamente introspectiva y cuyo título se inspira en un paraje italiano que refresca el olor a mar que impregna muchos temas del álbum. Te voy a decir una cosa (“Que no soy fácil lo sabes muy bien, que me has cosido las alas también, que sin tus manos no puedo vivir, que con tu calma consigo seguir”) está dedicada a su madre y recuerda en el ambiente retro a Quiero ser. Canción entrañable, con ambiente a aquella música de los 50 y 60 y una trompeta que aporta el toque latino. Y como cierre del álbum, Por toda una vida (“Hoy quiero jugar todo el partido, hoy renunciaré al tiempo perdido”) es otra canción de afirmación, la única que utiliza claramente programaciones, con un fuerte sentido rítmico y que resume el espíritu del disco: “Esta noche cantaré por toda una vida, esta noche olvidaré que estuve perdida”.
Son las 11 canciones del primer álbum de Amaia Montero. “Mi forma de escribir es directa, sencilla. Casi todo corazón. Al final son canciones, puras canciones. Es lo que me gusta” dice la artista, compositora de todos los temas y con todas las expectativas y la expectación por delante. “Me importa la opinión de la gente que me importa. Me da fuerza para trabajar a gusto”, continúa antes de volver a señalar que el disco ha significado un “intenso proceso de aprendizaje, también de cosas de mí”. Ahora, con el proceso acabado, sólo queda esperar su publicación el 18 de noviembre. Después llegarán los conciertos en directo, que Amaia Montero espera con impaciencia: “No veo la hora de subirme al escenario. Es algo mágico. Tengo muchísimas ganas, todo es emocionante. El disco es muy guitarrero, elegante y la banda que tengo me da confianza”. Es el recomenzar de Amaia Montero.
Amaia Montero 2
Amaia Montero 2 o simplemente 2 es el segundo álbum de estudio en solitario (sexto contando los discos editados con su ex grupo) de la cantautora española Amaia Montero que salió a la venta el 8 de noviembre de 2011 bajo el sello discográfico de Sony Music.[1]
El día de su lanzamiento, el álbum llegó al nº 1 de discos más vendidos en iTunes y se mantuvo por una semana en el mismo lugar.[2] Además entró directamente al nº 3 de los discos más vendidos en EspañaLa placa cuenta con canciones de su propia autoría y cuyo adelanto se llama "Caminando", un tema optimista fiel a su estilo, con guitarras muy pegadizas.
El álbum fue grabado entre julio y agosto en Los Ángeles, en los estudios Eastwest, bajo la producción de Amaia junto a Sebastian Krys y Paco Salazar. Contiene 11 canciones más producidas y con mayor cantidad de instrumentos: "Era un salto que quería dar... Buscaba un sonido más producido, más empastado, con más instrumentos, con cuerda... el disco anterior era más sencillo, más acústico", explica la cantautora.
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